Презентация на тему: Мир искусства в XX веке

Мир искусства в XX веке

Эпоха пластического искусства Француз из Петербурга 29 мая 1847 года в Петербург прибыл ничем не примечательный пассажир. Сразу же по прибытии у него украли картуз. В качестве головного убора мужчина повязал платок. Прохожие посмеивались, да и сам пассажир не сдерживал улыбки. Примерно так началась петербуржская жизнь Мариуса Петипа, которому было суждено стать «патриархом» российского балета. И сразу у дверей театра он знакомится с Минхом, популярным на тот момент композитором. Участие французов в русских балетах XIX века говорит о постоянстве культурного обмена, существовавшего между Парижем и Санкт-Питербугом. Единение культур особенно России и Франции отразили многое события, связи между людьми, эпохами, «мирами» литературы, живописи… Минувший год 2010 был годом России во Франции , и Франции в России…

В 1847 году Мариус Петипа был приглашён в Петербург в качестве танцовщика в знаменитый императорский Мариинский театр. Много танцевал, а через несколько лет уже выступил постановщиком балетов на петербургской сцене. Петипа понравилась труппа русского театра: её отличали большая трудоспособность, великолепная техника, а самое главное – преданность искусству, которое он очень высоко ценил. О творческой деятельности Мариуса повествует, прекрасный фильм снятый в СССР 1966г Обладая неиссякаемой фантазией в сочинении танцевальных движений, Петипа достиг в балете предельной простоты построения хореографического номера. Будучи ярым противником акробатической техники и трюкачества, видел, прежде всего, в своих балетах совершенство и логичность танцев и пантомимных сцен, добивался точности и прекрасного рисунка у кордебалета. Уже будучи признанным балетмейстером, поставившим более 60 балетов, Мариус Петипа встретился с Петром Ильичом Чайковским. Вместе они работали над постановкой балета «Спящая красавица». Либретто написал Иван Александрович Всеволожский, крупный театральный деятель, друг Чайковского (ему и посвятил композитор «Спящую красавицу»). Мариус Петипа разработал подробную программу балета.

Премьера балета состоялась 3 января 1890 года на сцене Мариинского театра. В роли принцессы Авроры танцевала итальянка Карлотта Брианца, в роли феи Сирени – дочь Петипа Мария. С этого момента начался период сотрудничества двух великих мастеров – Петипа и Чайковского. Как велика популярность творений Петипа, можно судить по следующим фактам сценической биографии «Спящей красавицы». В 1946 году ею ознаменовал свой день рождения Королевский английский балет. Спустя девять лет этот театр показал «Спящую красавицу» по английскому телевидению, а в 1960 году передвижная труппа «Интернациональный балет ХХ века» познакомила с балетом парижан.Победа, одержанная авторами балета «Спящая красавица», не только утвердила новое место музыки в балете, но и стала торжеством русской школы классического балета, созданной Мариусом Петипа. Постановки балетов Чайковского, осуществленные Петипа, стали непревзойденными шедеврами. При жизни композитора таким шедевром стала "Спящая красавица" Музыкально-хореографические кульминации в "Спящей красавице" - четыре адажио каждого акта - дали уникальные примеры поэтически обобщенной образности танца. Шедевром русской хореографии является и па-де-де Одиллии и принца Зигфрида в балете "Лебединое озеро" в постановке Петипа, осуществленной уже после смерти Чайковского.Многие из его балетов сохраняются в современном репертуаре как выдающиеся образцы хореографического наследия XIX века ("Спящая красавица", "Раймонда", "Лебединое озеро").

Удиви меня! Сергей Дягилев и Русские балетные сезоны Выставка, посвящённая Сергею Дягилеву и «Русским балетным сезонам», под названием «Удиви меня» прошла в Москве в Третьяковской галерее, с 28 октября по 25 января 2010 г. На выставке были представлены самые разнообразные произведения: афиши, эскизы костюмов и декораций, настоящие костюмы и занавес, фотографии танцовщиков и балетных мизансцен.Экспозиция разделялась на несколько тематических зон: классический балет, ориентализм, русская тема, а также авангардные постановки наших дней. Впервые вместе собраны около пятидесяти подлинных костюмов, в том числе конструктивистские костюмы к балету «Шут» по эскизам Михаила Ларионова и расписанные вручную костюмы Анри Матисса к балету «Соловей». Жемчужиной выставки станет знаменитый занавес Пабло Пикассо, созданный к балету «Голубой экспресс» из лондонского Музея Виктории и Альберта

С именем Сергея Дягилева – организатора Русских балетных сезонов в Париже (1909-1929 гг.) - связан небывалый расцвет русского балета. Балетные сезоны Дягилева стали феноменальным явлением российской культуры начала XX века. Дягилеву удалось не только создать балетную труппу, в которую вошли звёзды мировой величины, но и привлечь к работе над спектаклями известнейших художников и композиторов своего времени. Для многих из них Русский балет Дягилева стал источником вдохновения на долгие годы. Так, на выставке можно увидеть работы мастеров, которые определяли развитие искусства ХХ века: Льва Бакста, Натальи Гончаровой, Николая Рериха, Джорджа де Кирико, Андре Дерена. В общей сложности на выставке представлено порядка 250 графических и живописных работ, многие из которых предоставлены крупнейшими музеями и коллекционерами из разных стран. Воссоздать атмосферу дягилевских спектаклей позволит использование кино- и фотохроники, запечатлевшей солистов Русских балетов - Анну Павлову, Вацлава Нижинского, Тамару Красавину и многих других. Сейчас произведения, связанные с Русскими балетными сезонами, можно отнести к величайшему культурному наследию XX века. После трёх месяцев работы выставки «Удиви меня! Сергей Дягилев и Русские балетные сезоны» в княжестве Монако, экспозиция перевозится в Государственную Третьяковскую галерею в Москве.

«Удиви меня!» Из письма Жана Кокто, 1939 год:«(…) Я находился в том абсурдном возрасте, когда считаешь себя поэтом, и чувствовал в Дягилеве вежливое сопротивление. Я спросил его об этом. «Удиви меня, - ответил мне он, - я хотел бы, чтобы ты меня удивил». Эта фраза спасла меня от блестящей карьеры. Я быстро понял, что Дягилева за две недели не удивишь. С этой минуты я принял решение умереть и заново родиться (…)».К открытию выставки был издан богато иллюстрированный каталог, подготовленный Новым Национальным музеем Монако, Фондом культуры «ЕКАТЕРИНА» и издательством SKIRA на французском, русском и английском языках.Организаторами выставочного проекта, посвящённого столетнему юбилею Русских балетных сезонов Сергея Дягилева, стали Новый Национальный музей Монако, Фонд культуры «ЕКАТЕРИНА» и Государственная Третьяковская галерея. Жан Кокто был женат на Эдит Пиаф. Был чутким руководителем и другом…открывшим публике ее талант.. Он застал и триумф великой Коко Шанель, нарисовал не одну гравюру с ее портретом..

Littérature - un symbole d'unité des nations ... Во время своего путешествия по России Александр Дюма то и дело удивлялся: надо же, какая огромная страна! Но все же открыв для себя эту огромную страну, он не почувствовал себя чужим. Поскольку, писал роман, действие которого разворачивается в Петербурге и Сибири. Роман называется «Учитель фехтования», но вполне мог называться «Балетмейстер». Но тем не менее, к счастью для французских путешественников, следует заметить , что образованным русским Ламартин, Гюго, Бальзак, Мюссе, Санд и Дюма были известны не хуже, чем они были известны в Париже. И между прочим Гогю был не только прославленным писателем, но и художником. Поэт XX века Шарль Пеги однажды назвал Гюго «гением, избалованным талантами». И это было правдой. Трудно назвать другого автора который бы преуспел практически во всех литературных жанрах. К тому же паралельно литературно творчеству, он серьезно занимался живописью, оставив после себя 200 акварелей, гравюр и рисунков. А Толстой, обосновавшийся на улице Риволи, или о Гоголе, который заканчивал «Мертвые души» в комнате с видом на Вандомскую площадь!? Но все же даже рядом с титанами французской прозы балетмейстер и танцор Мариус Петипа, уроженец Марселя, все же остается символической фигурой.

Русские сезоны в Париже Дягилев- гений и безумец…..

Русские сезоны в Париже Русский балет Дягилева, или Ballets russes, — балетная компания, основанная в 1911 году русским театральным деятелем и искусствоведом Сергеем Дягилевым.После грандиозного успеха выставки русских художников, которая прошла в 1906 году в парижском Осеннем салоне, Дягилев при покровительстве императорского двора России и влиятельных лиц в светских кругах Франции приступил к организации Русских сезонов — такое название получили ежегодные гастроли русских артистов в Париже. Леон Бакст. Эскиз костюма к балету Нижинского «Послеполуденный отдых фавна» (1912) Жан Кокто Афиша русского балета С. Дягилева сезон 1911 года. Изображена Тамара Красавина в балете "Видение розы" Леон Бакст. Эскиз костюма к балету «Жар-птица» (1910)

Le ballet de 1900… В 1901 году Дягилев покидает Россию и едет покорять Париж…В июле 1910 умер Петипа. Вместе с ним умерла эпоха пластического искусства. Этот век ознаменовался появлением Дягилевских «русских сезонов» в Париже. Но одним из самых «громких» был триумф Нижинского,, которого сменил Мясин. Одними из первых успехами Фокина и Павловой. Знаменательным было и появление Айседоры Дункан.Костюмы ко многим балетам делались по эскизам Габриэль Шанель. Которая была очень щедрым меценатом, и оплатила похороны Дягилева в Венеции 1929 году …Познакомившись в 1913 году со Стравинским, после премьеры «Весны священной» , не замедлила завести с ним роман…О чем повествует фильм «Coco & Igor».А 1900-1930-ее хореография стремительно меняется.

Интерес Дягилева к хореографическому искусству пробудился на одном из представлений «Спящей красавицы» в 1893 году. Чайковский, дядюшка Дягилева, часто наигрывал ему мелодии… Тема самым сформировал особое видение и ощущение мира… Позже Александр Бенуа (соиздатель, участник «Мира искусства» ) напишет, что Чайковский казалось, распахнул двери, через которые Сергей смог все дальше и дальше погружаться в прошлое. Прошлое стало ему ближе и понятнее настоящего, а магия музыки убедила, в том, что он возвратился домой. Восторг Дягилева перед «Спящей красавицей» привел его к увлечению танцем и он заразил своей страстью всех друзей. Он был уверен в том, что если бы не влюбился в «Спящую красавицу» и не распространил бы свой восторг вокруг себя, не было бы ни «Русского балета», ни массового увлечения танцем которое он породил. И правда, балет имел грандиозный успех. Говорят, в то время жители Петербурга вместо «здравствуйте» при встрече говорили друг другу: «А вы уже видели «Спящую красавицу»»? Мариус Петипа стал первым хореографом, осознавшим гениальность Чайковского. Таким образом, Петипа сотворил «стиль Чайковского» в танце, не случайно же и сегодня «Лебединое озеро» , «Спящая красавица» остаются эмблемическими творением именно этого балетмейстера. «Лебединое озеро» - первый балет композитора, показанный в 1877 году в Москве, был поначалу плохо принят публикой и быстро исчез с афиш. Но ему предстояло признание и любовь зрителей, которая горяча и сейчас. И правда, балет имел грандиозный успех. Говорят, в то время жители Петербурга вместо «здравствуйте» при встрече говорили друг другу: «А вы уже видели «Спящую красавицу»»? Мариус Петипа стал первым хореографом, осознавшим гениальность Чайковского. Таким образом, Петипа сотворил «стиль Чайковского» в танце, не случайно же и сегодня «Лебединое озеро» , «Спящая красавица» остаются эмблемическими творением именно этого балетмейстера. «Лебединое озеро» - первый балет композитора, показанный в 1877 году в Москве, был поначалу плохо принят публикой и быстро исчез с афиш. Но ему предстояло признание и любовь зрителей, которая горяча и сейчас.

Дягилев знал, как любит танец «дядя Петя». Другой дядя Дягилева – Модест, брат великого композитора, рассказывал ему о приезде в Москву Камиля Сен-Сана. Который напишет музыку к бессмертному «умирающему лебедю» Анны Павловой. Фантазия о «Лебеде» Сен-Сана зародилась у Анны на концерте Айседоры Дункан. Несмотря на свой легендарный патриотизм, Дягилев всегда подчеркивал , что классический балет не является специфическим русским искусством, но скорее французским или итальянским. Впрочем, балетный лексикон всегда был, да и остается, французским. О жизни Анны Павловой повествует прекрасный фильм носящий ее имя, снятый в 1983г. Выступления «Русского балета» были весьма успешны. Но несмотря на успех труппа имела финансовые проблемы, решал, которые разумеется Дягилев. После «Шехеразады» эротические грезы французов, которых кормили экзотикой Готье, Лоти, Делакруа , воплотились в телах русских танцовщиков. Этому спектаклю, ставшему эмблемой «Русского балета», весь мир рукоплескал в течение многих лет. Он стал триумфом, в особенности для Бакста. На этот раз его талант балетного декоратора полностью проявился в варварской роскоши воображаемого Востока. «Шехеразада» повлияла на весь Париж, и прежде всего на женщин, которые одевались у Пуаре. С этого момента в моде были восточные мотивы, яркие и резкие краски, изумрудные и коралловые тона.

«…с русскими не шутят, на них женятся!» 18 мая 1917 года она танцевала на премьере балета "Парад" в театре Шатле. С подачи своего парижского друга Жана Кокто, Пабло соглашается оформлять декорации к балету. Балет был создан Сергеем Дягилевым, Эриком Сати и Жаном Кокто, а Пабло Пикассо отвечал за костюмы и оформление декораций. Как и все, Пикассо увлекся модой "на русское". А познакомились они Риме, вечном городе любви.Революционера от искусства, его очень интересовало все происходившее в России. Одно время он даже собирался учить русский язык. Языка не выучил, а вот за русской балериной с лицом Мадонны стал страстно ухаживать, за Ольгой Хохловой.Столь страстно, что Дягилев даже счел своим долгом предупредить: "Будь осторожен, она русская, а с русскими не шутят, на них женятся!». Об этих отношениях расскажет множество книг и не один фильм…Но ко второй мировой войне многое изменится, он встретит Франсуазу Жилло, с которой проживет более 10 лет, в последствии она напишет очень откровенные мемуары….

Модельеры в танце и жизниСвязи между эпохами и людьми На модной арене Пуаро затмила Габриэль Шанель… Мода и Франция – неразделимое целое, заставляющее сердца женщин биться чаще. Французские модные дома кажутся прекрасными волшебными замками со сказочно красивыми обитателями. За каждым словом и выходом их величественных владельцев следит весь мир, поклоняющийся Высокой Моде. И происходит это далеко не случайно: основатели лучших модных домов Франции в периоды своего безусловного правления в буквальном смысле изменяли моду, заставляя весь мир безжалостно расставаться с устоявшимися стереотипами и навсегда влюбляться в непознанное. Ее стиль вызывавший по началу насмешки. «Я хочу входить в платье, а не втискиваться в него»… Говорила Габриэль… Ее талант был не бесполезен и в войну. Открыв качества ткани джерси она сделала жизнь всех женщин мира проще. Она была первой, кто одел брюки. Ее стиль сохранился и сейчас…

Создание свободного силуэта. Реформа Поля Пуаре, позволившая женщинам отказаться от корсетов, имела свои истоки в 1890—1910 годах, когда модельер пропагандировал возвращение к античной моде. Он предложил модницам Парижа, а затем и всей Европы, надеть отсылающие к Древней Греции платье-тунику и накидку-пеплос, а также положил начало моде на кимоно. В 1906 году состоялась реформа великого модельера – Поль Пуаре представил миру новый силуэт наряда. Платье-рубашка не имело корсета, и было свободным от груди до пола. Реформа произвела колоссальный переворот в женских нарядах всего мира, но она не была самоцелью для Поля Пуаре – новый силуэт появился лишь потому, что модельера вдохновляли свободные наряды танцовщиц Айседоры Дункан и Маты Хари. Выпуск юбки-брюк. В 1911 году Поль Пуаре предложил модной европейской публике юбку-брюки. Новый предмет одежды спровоцировал огромный скандал, но получил столь бешеную популярность, что папа Пий X предал великого модельера анафеме. Создание костюма как искусство. До первой мировой войны Поль Пуаре безраздельно правил модой, но к 1927 году вычурность его нарядов перестала устраивать публику. Модельер относился к созданию костюма как к искусству, но в новое время происходила всеобщая демократизация моды. Подход Поля Пуаре перестал быть востребованным, и ему пришлось закрыть «Дом Пуаре и raquo».

Габриэль (Коко) Шанель(1883–1971) Внедрение идей практичности и функциональности в одежде. Новаторство Коко Шанель заключалось уже в том, что своими нарядами она не несла никакой философии. Главной идеей модельера были максимальная практичность и функциональность нарядов. Именно с простых моделей от Коко Шанель началась мода ХХ века. Дневная и вечерняя одежда разрабатывалась модельером в первую очередь с учетом того, чтобы костюм не стеснял движений. Так появились белые лакированные туфли с черным носком на низких каблуках, разработанный в 1925 году мягкий пиджак и созданный в 1955-ом черный стеганый ридикюль на цепочке, который освободил руки женщин. В 1954 году Коко Шанель представила публике твидовый костюм – символ нового поколения, предпочитающего одежду на все случаи жизни. Создание классического женского гардероба. Коко Шанель создала классический женский гардероб: маленькое черное платье, твидовый костюм, туфли на низких каблуках, нитка жемчуга в качестве украшения на все случаи жизни. Знаменитое little black dress модельер разработала в 1926 году, когда захотела создать равнозначно подходящий для дневного и вечернего выхода универсальный наряд, который можно разнообразить аксессуарами. Новую модель платья черного цвета, ранее считавшегося траурным, с восторгом приняли все модницы мира.

Габриэль (Коко) Шанель Упрощение нарядов. Коко Шанель научила дам создавать сексуальный образ, не обнажая тело. Ее наряды отличались простотой и отсутствием лишних деталей. Маленькое черное платье длиной до середины икры называлось «маленьким» прежде всего из-за отсутствия декора. Модельер отказалась от модных ранее тяжелых пышных шляп, сложных конструкций нарядов и всевозможных деталей, не несущих практической ценности – воланов, рюшей, драпировок. Простую, удобную и элегантную одежду от Коко Шанель американский журнал Vogue назвал «фордом» моды. Единственным фетишем модельера, усложнявшим наряд, были украшения. Она носила простой костюм с бижутерией и драгоценностями одновременно, а ее фирменным знаком были брошь-камея и жемчуг. Феминизация костюма. Коко Шанель создала множество предметов одежды, которые позволили женщинам существовать на равных с мужчинами во всех сферах жизни. Модельер спроектировала и начала носить брюки, благодаря которым представительницы прекрасного пола впервые получили возможность быстро ходить. Для дневных мероприятий Коко Шанель разработала укороченные, а для вечерних - широкие брюки. Модельер с легкостью бралась за усовершенствование одежды своих поклонников, например, свитера игрока в поло Боя Кэпеля или твидового пальто герцога Вестминстерского, и отдавала переработанные творения всем женщинам.

«Всегда стоит выделять свои лучшие черты. Собственно, мода этим и занимается — усиливает и подчеркивает женскую красоту.» Кристиан Диор (1905–1957) Создание силуэта New Look. Кристиан Диор вернул в моду женственную форму «песочные часы» – затянутую талию и пышную юбку. Силуэт New Look преподносил в новом свете популярный ранее культ изящества и забытые линии в одежде. Кристиан Диор воскресил изысканные бальные платья, на подолы которых уходило до 50 метров ткани, в которых было тяжело ходить и даже дышать. За это модельера не любила Коко Шанель, однако большинство женщин в тяжелое послевоенное время с радостью вернулись в забытый образ.Акцентирование неравноправия. Кристиан Диор создавал наряды для женщин, которым больше не хотелось самостоятельности и равноправия с мужчинами. Модельер также разрабатывал одежду, демонстрирующую социальный статус их владелицы, что снова говорило о стремлении к неравноправию, теперь уже между слоями общества. Эти идеалы – женской беспомощности и демонстрации финансовых возможностей – были чрезвычайно популярны в послевоенное время, когда люди устали от постоянных лишений и напряжения Возрождение идеи костюма для каждого случая. Кристиан Диор возродил моду не только на сложные прически, маленькие шляпки, корсеты и перчатки до локтя, но также и на буржуазную идею костюма для каждого случая. Теперь любому выходу, будь то встреча в кафе или вечерний прием, требовался собственный наряд со своими цветовыми сочетаниями и набором аксессуаров.Введение понятия сезонных изменений в моде. Модный дом Dior за десять лет выпустил 22 коллекции. Каждая из них кардинально меняла силуэты предыдущей. Таким образом, именно Кристиан Диор положил начало сезонным изменениям в моде.

Ив Сен-Лоран (1936–2008) Смешение стилей. Ив Сен-Лоран стал первым анархистом в моде, смешав haute couture и молодежную субкультуру. Он сочетал классический костюм и современное искусство, простой крой и сложный рисунок. Модельер пропагандировал переменчивость в одежде и считал, что не нужно отдавать предпочтение одному стилю. Введение в одежду элемента игры в переодевание. Ив Сен-Лоран избавил моду от излишнего пафоса и серьезности. Модельер впервые показал процесс одевания как игру, а не демонстрацию статуса и достоинств. Именно Ив Сен-Лоран создал костюмы для первой постановки балета « Собор Парижской Богоматери» на хореографию Лорана Пети, скончавшегося в 2011 году. Внедрение новаторских идей. Ив Сен-Лоран создал множество новаторских нарядов: мужские смокинги для женщин, платья в стиле «сафари», прозрачные платья. Модельер ввел повсеместную моду на брюки. В 1983 году в нью-йоркском музее Метрополитен была открыта выставка-ретроспектива, посвященная Сен-Лорану, а в 1985 году за свои выдающиеся идеи модельер получил модный «Оскар».

Время популярности творений : середина XIX века – настоящее время Переворот на рынке багажных изделий. Луи Виттон в 1858 году представил миру первый в истории человечества плоский чемодан. Изобретение произвело фурор – чемоданы заметно упростили жизнь путешественникам и в кратчайшие сроки заменили сундуки. Создание моды на открытую демонстрацию социального статуса. Благодаря Луи Виттону, а также его сыновьям Жоржу и Гастону, модники всего мира получили возможность демонстрировать свой социальный статус на вокзалах, в гостиницах и аэропортах. Знаменитая монограмма Louis Vuitton привела к всеобщему заболеванию «логоманией». Луи Виттон освободил мир от представления о том, что чемодан предназначен только для хранения вещей.

Рубеж XIX- XX веков –эпоха духовного и творческого подъёма русской культуры . В этот период искусство отказывается от устоявшихся традиций , стремится к обновлению художественного языка, активно взаимодействуя с ведущими европейскими тенденциями. В этих поисках выделяются три направления. Левитан «Вечерний звон» Нестеров М.В. «Видение отроку Варфоломею» Врубель М.А. «Демон сидящий»

Импрессионистическое направление- развивает достижения русского пейзажа второй половины XIX в., обогащая их открытиями французского импрессионизма. Например, Левитан испытывал сильное влияние импрессионизма, на свое творчество.Зародившись с середине 1880-х гг., это направление достигает расцвета в 1990-е. С ним связаны имена В. Серова, К .Коровина, И. Левитана, а так же мастеров объединения Союза русских художников И. Грабаля и др. Национально-романтическое - появившееся в начале 1880-х гг., обращается к поэтическому осмыслению народных обычаев, древнерусскому искусству. В 1880- 1890-х гг., формируется неорусский стиль, предшествующий появлению символизма и стиля модерн в России. Крупнейшими мастерами были В. Васнецов, М. Нестеров, Н. Рерих, А. Рябушкин, Ф. Малявин и др. Символизм и стиль модерн стали центральным художественным руслом эпохи, развиваясь со второй половины 1890-1900-х гг. Символизм обращается к мистическим исканиям, окрашенным эстетизмом. Модерн создает декоративно-орнаментальный стиль, ставший формой выражения идей символизма в изобразительном искусстве. Яркие представители направления – М. Врубель, В. Борисов-Мусатов, художники объединений «Мир искусств»(организованный С. Дягилевым) и « Голубая роза». Эти тенденции существовали взаимосвязано, проникая и влияя друг на друга и определяя своеобразие русского искусства.

Авангард в России 1910 -1930 За три десятилетия русский авангард прошел огромный путь. 1910-е гг. ознаменованы чередой мощных творческих открытий появлением пластических и концептуальных идей. Сначала авангард наполненный мощным зарядом бунта и протеста уходил от принципа «подражания природе». Художники пытались создать новую пластическую реальность и новые формы , чем эпатировали зрителя, тем самым они стремились в бедующее, которое как они полагали, должно было стать «великой эрой Духовности» (Кандинский) , « супрематическим миром» ( Малевич). К.С. МалевичАвтопортрет. Около 1910. В русском авангарде сменилось множество направлений и стадий эволюции: неопримитивизм, лучизм, сезанизм, супрематизм, кубизм, супрематизм, конструктивизм; искусство не только полностью отказывалось от фигуративности, но и выходило из рамок креативной плоскости в реальное пространтво; развивались экспреонистические тенденции и «органическое» искусство; авангарду противостоял неоклассицим; художники, познавшие опыт бессмертного простраства, возвращались и к станковой живописи, и к формам реальности, и даже создавали новую тематическую картину.

Авангард От грандиозных идей переустройства мира искусством приходили к ценности индивидуального взгляда частного человека – и все это были пути русского авангарда. Совсем не все особенности его эволюции в 30-е годы вызваны давлением официальной идеологии, которой он не пришелся ко двору; многое связанно с внутренними закономерностями развития. Это ярко видно в экспозиции ГТР, где рядом висят произведения мастеров, работавших с Советской России, и русских эмигрантов. Искусство XX в. В России принято начинать с творчества М. Ларионова и Н.Гончаровой, искусство которых связано с рождением русского живописного авангарда. Первое авангардное направление, неопрмитивизм, характеризовала ориентацыия на неоклассические источники – «примитивы»: лубки, иконы, искусство, древних народов, «наивное» и детское творчество и т.п. Деформация натуры сочетается с утонченной разработкой колорита и фактуры, воспринятой у современных французских мастеров. Следующим открытием стал Ларионова стал лучизм, изображающий не предмет, а отражающийся от него световые лучи. В пересекающихся цветных линиях изображение словно растворяется.Ларионовская концепция примитивизма оказала больше влияние на художников первого русского авангардного объединения «Бубновый валет»(1911-1916).

Главное слово в поэзии и прозе А Дункан и С. Есенин в 1922г. Блок А. А. Ахматова В. Маяковский В 1904 году умер Чехов. А вместе с ним и эпоха «наивности» или сентиментальности.События Февральской революции вызвали в Блоке духовный подъемом, сменившийся упадков. И неожиданным появлением нового вдохновения. В первые месяцы 1918 года он писал поэмы «Двенадцать» и «Скифы». Он сотрудничал с новой властью: работал в Государственной литературной комиссии, служил в дирекции Большого Драматического театра и др.Для Ахматовой 1910 год ознаменовался кризисом символизма, начинающие поэты примыкал совсем к другом течению.Это была эпоха расцвета футуризма и акмеизма. Поэтами этих веков современности были Маяковский, Хлебников , Ахматова, Гумилев …Есенина в 1916 году привали в армию, но в боях он не учувствовал. Февральскую революцию встретил с иронией, ожидая скорых изменений в России. Октябрьский переворот он принял с воодушевлением. В 1922 году его второй женой стала Айсидора Дункан.Что касается прозы, то Булгаков в 1916 только окончил университет. «Собачье сердце», «Мастер и Маргарита» и «Белая гвардия» появиться уже к 1925.

Библиографический список: 1. http://mstrishenova.narod.ru/tretaymolod.htm2. http://www.sevkray.ru/news/3/22638/3.Светлов «Современный балет» 4. В. Федоровский «Сергей Дягилев, или Закулисная история русского балета» 5. Третьяковская галерея 6. http://blog.wildberries.ru/viva-france/7. http://blog.wildberries.ru/viva-france/ф